Das Bild entstand auf einem Blechregalbrett von OBI. Erstaunlich, wie gut die Farbe auf dem Lack haftet!

Ich glaube nicht, dass sie damit sagen wollte, dass sie meine Bilder unansehnlich, komisch und irritierend findet. Stattdessen wird sie nicht müde zu behaupten, dass sie für dieses und jenes eben zu blöd sei. Und damit eben auch für moderne Kunst. Aber so dumm ist sie natürlich überhaupt nicht, und selbstverständlich könnte ich sie sogar verstehen, wenn sie meine Bilder unansehnlich, komisch und irritierend fände. Insgeheim, davon bin ich überzeugt, denkt sie das nämlich. Aber sie würde mir das nie sagen, um mich nicht zu kränken.

Eine entfernte Bekannte wollte gerne mal meine Bilder ansehen. Also führte ich sie durchs Haus und zeigte ihr die, die bei uns an den Wänden hängen. Ah ja, sagte sie. Interessant … Und dann sagte sie etwas sehr Wahres: Deine Kinder inspirieren dich anscheinend sehr. Vielleicht wollte sie damit sagen, dass ich ungefähr genauso gekonnt Bilder male wie meine sechs und acht Jahre alten Söhne (um ehrlich zu sein: Das versuche ich tatsächlich.) Vielleicht traf sie aber auch den Nagel auf den Kopf. Ja, das Zusammensein mit meinen (autistischen) Söhnen veranlasst mich immer wieder dazu, das alles ästhetisch zu reflektieren und künstlerisch zu verarbeiten. Das gilt auch – sogar im besonderen Maß – für dieses Bild. Und weil erst neulich wieder ein guter Freund sprachlos und ein wenig ratlos davor stand, versuche ich im Folgenden zu erklären, warum dieses Bild so aussieht, wie es aussieht – auch wenn jeder weiß, dass man Bilder nicht malen müsste, wenn man das, was sie ausdrücken wollen, auch sagen könnte.

Das Bild heißt ‚Archu-Stars‘, und es handelt vom Zusammenleben mit meinen Söhnen und von unserer nicht ganz alltäglichen Familie. ‚Archu-Stars‘ ist eine Wortneuschöpfung. Sie entstand, als mein jüngerer Sohn versuchte, ‚Schatzsucher‘ rückwärts zu sagen, und ich ihn dabei nicht verstand, weil es noch früh am Morgen und ich gerade aufgewacht war. Ich verstand ‚Archu-Stars‘ und war von diesem Wort wie elektrisiert, weil es eine passende Bezeichnung für meine Söhne zu sein schien. Bei Archu denke ich an anarchisch, archaisch, vielleicht an Arche (weniger an Archibald). Ich denke an ein Dasein, das zwar im Hier und Jetzt stattfindet, aber seinen eigenen Regeln folgt, weil es die geltenden Konventionen sprengt. Die Rücksichtslosigkeit, mit der das geschieht, wird dabei von einem koboldischen Gelächter begleitet, das die Regelverstöße einerseits feiert, andererseits als leider unvermeidbar entschuldigt. Die Archu-Stars stehen als stark reduzierte Figuren prominent im Vordergrund des Bildes. Sie fungieren als Repräsentanten des bunten Tanzes, der sie umgibt, mit einer Körperhaltung, die zu sagen scheint: Nimm es – oder lass es!

Viele Motive, die verwendet werden, sind Motive aus unserem Alltag. Es sind keine alltäglichen Gebrauchs-Gegenstände, sondern es sind alltägliche Gesprächs-Gegenstände. Über diese Themen reden und reden und reden wir (oder haben das getan). Es sind Fetische im eigentlichen Sinn. Sie haben einen zugewiesenen Wert, der nur darin besteht, dass er eben zugewiesen wurde und von jetzt an als Wert gehandelt wird (Ein Phänomen des Autismus, das, wie ich meine, große Parallelen zum Fetischcharakter von Kunstwerken hat. Was sagte Gerhard Richter, als seine Bilder für Abermillionen verkauft wurden? ‚Absurd!‘) Zu sehen sind (von links oben im Uhrzeigersinn): ein Hummer, eine Rakete, ein Planet, ein Pfau, ein Vulkan. Klar, man könnte diese Motive als Allegorien verstehen. Allegorien haben eine klar zugewiesene Bedeutung, ihr Verständnis folgt also eindeutigen Regeln. Das würde insofern passen, als bei uns Regeln durchaus wichtig sind und penibel eingehalten werden müssen (auch wenn es oft andere Regeln sind als die normalerweise üblichen). Die Motive als Fetische zu verstehen, ist allerdings schlüssiger, weil sogar die Regeln bei uns zu Hause einen Fetischcharakter haben.

Hinzu kommen scheinbar spontan hinzugefügte Graffiti, wie Namen von Waschmaschinen (ein weiterer Fetisch), die stilisierte Darstellung eines Wirbelwindes, eine weitere Hummer-Darstellung und – graphisch ähnlich stark reduziert wie die Archu-Stars – zwei Tiersymbole: eine Gazelle (links) und eine Wildgans (rechts). Ikonographisch nehmen diese beiden Symbole eine vermittelnde Rolle ein zwischen den stark reduzierten Darstellungen der Archu-Stars und den anderen aufwendiger ausgearbeiteten stark farbigen Motiven. Sie sind auf die nötigsten äußeren Merkmale reduziert und nur leicht coloriert. Die beiden Tierdarstellungen stehen für jeweils ein Paar von Gegensätzen. Die Gazelle vereint die Wehrhaftigkeit der Hörner mit dem ihr angeborenen Fluchtreflex, während die Wildgans für große Zielstrebigkeit steht, die aber dennoch niemals wirklich ankommt. Auf diese Weise drücken die Tiersymbole eine Spannung aus, die nicht aufzulösen ist, weil sie ihnen wesensmäßig innewohnt.

Im Zentrum des Bildes prangt das Bildmotto, als wäre es gewaltsam hineingeschleudert worden (Dieser Satz steht wortwörtlich so auf einem Schild an der Zimmertür unseres jüngeren Sohnes.): Niemand darf hier rein! Außer einem, der aber gerade weg ist. Wenn das als Aufforderung an die Betrachter gemeint sein sollte, den Blick abzuwenden und erst gar nicht zu versuchen, das Bild ‚zu betreten‘, dann steht von vorne herein fest, dass diese Aufforderung missachtet werden wird. Eine weitere Spannung, diesmal zwischen Anspruch und Wirklichkeit. (Übrigens betreten wir das Zimmer unseres Sohnes jeden Tag.)

Die Motive sind auf einem Hintergrund angeordnet, der beides ist, diffus und klar strukturiert. Diese Grund-Spannung entspricht der Spannung, in der wir leben: Unser Alltag folgt auf der Oberfläche klaren Strukturen und vorhersagbaren Routinen, ist aber dennoch in der Tiefe schwer zu verstehen, weder für Außenstehende noch oft für uns selbst. Auch der Bildträger folgt diesem Spannungsprinzip: Das Bild wurde auf vier Tafeln gemalt, die jeweils 90 mal 120 cm groß sind. Diese vier Keilrahmen wurden recht grob zu einer Einheit zusammengezimmert (stellenweise durchbohren die Spitzen der Schrauben die Leinwand auf der anderen Seite), ohne jemals wirklich eine Einheit eingehen zu können. Es bleiben vier scharf voneinander getrennte, autonome Einheiten, die nur aus der Entfernung betrachtet ein großes Ganzes ergeben.

Archu-Stars ist eine Mischung aus einem Graffito, einem überdimensionalen Comic-Strip (180 mal 240 cm) und einem Kinderbild. Es hat so gar nichts Getragenes, Erhabenes, Gediegenes. Es erinnert eher an Kinderstimmen. Manchmal sind sie schön. Und manchmal gehen sie furchtbar auf die Nerven.

Skyrim

Dank Amazons Cybermonday bin ich zu einem vergünstigten Spieleerlebnis gekommen, wie ich es schon lange nicht mehr hatte. Endlich gibt es wieder ein Computerspiel, an das ich mich so gerne erinnern werde, wie an ein gutes, packendes Buch.

Bisher haben das nicht allzuviele Spiele geschafft. ‘Deus Ex’ gehört vor allem dazu, ‘Operation Flashpoint’ und dann die direkten Vorgänger meines derzeitigen Lieblingsspieles : Morrowind und Oblivion. Nun ist es also das aktuelle Spiel aus Bethesdas ‘The Elder Scrolls’-Reihe – ‘Skyrim’ -, das mich glücklich macht.

Besondere Freude an PC-Spielen bereitet mir ein gelungenes Gleichgewicht dreier Komponenten: eine spannende Geschichte, ein glaubhafter, nachvollziehbarer Kosmos, in dem sie spielt und ein fairer Wettkampf zwischen Mensch und Maschine, Spieler und Spielgerät. Ich würde diese drei Komponenten narratio, simulatio und contest (einen ‘echten’ lateinischen Begriff finde ich dafür nicht) nennen. Für das Genre der Rollenspiele ist dieses Begriffstrio wohl am wichtigsten, und von Rollenspielen versteht das Spieleentwicklerteam von Bethesda weltweit wohl mit am meisten.

Schon seit einigen Jahren mischt Bethesda die Computerspieleszene auf, nicht nur mit ihrer ‘The Elder Scrolls’-Reihe, sondern zum Beispiel auch mit ihrer Interpretation der Fall Out-Serie, wie sie sie in Fall Out 3 und den dazugehörigen Erweiterungen vorgelegt haben. Verantwortlich für diesen Erfolg ist möglicherweise die konsequent verfolgte Spiel-Philosophie, die von Bethesda mit jedem weiteren Spiel, das das Team vorlegt, noch gekonnter umgesetzt wird. Zu dieser Spielphilosophie gehört die nachdrückliche Betonung auf die simulatio (Bethesdas riesige Spielwelten sind für den Avatar des Spielers frei begehbar und auch in ihrer möglichen Interagierbarkeit in sich schlüssig) und auf erzählerische Dichte, also die narratio, die vor allem von einer eigenen, sämtliche Spiele der Reihe umfassenden Mythologie herrührt, die in jedem weiteren Sequel konsequent neu interpretiert wird und die einen schlüssigen und damit glaubhaften Unterbau für alle Stories, Neben-Stories und Neben-Neben-Stories (den sogennnten ‘Quests’, weil sie eben nicht nur Geschichten erzählen, sondern immer alle drei Komponenten beinhalten und deshalb Geschichten erlebbar machen) liefert.

Was die dritte Kategorie angeht, contest, muss sich Betheda von den bisherigen Spielern die meiste Kritik anhören, der Wettkampf zwischen Mensch und Maschine könnte nach Meinung vieler ausgeklügelter und schöner in Szene gesetzt sein. Für einen Spielertypen wie mich jedoch, dem es vor allem um eine gute Geschichte und um intelligenten Eskapismus geht, ist bei diesem Spiel so ziemlich alles gut. Und wo es das nicht ist, verschmerze ich das locker.

Wer mehr über das Spiel wissen möchte, mag ‘Skyrim’ googlen. Da dürfte dann kaum eine Frage offen bleiben.

Aus gegebenen Anlass hier ein Bild, das im vorigen Jahr entstanden ist.

Vor nicht ganz zehn Jahren reichte ich eine literaturwissenschaftliche Analyse von David Finchers Film SEVEN (1995) als Magisterarbeit ein. Sie trug damals den Titel ‘ Die Apokalypse im amerikanischen Film der 1990er Jahre -  David Finchers Seven und die Predigt vom Ende der Welt’.

Vor etwas über einer Woche nun kamen wir bei unserem offline-Künstlertreffen hier in Marburg auf das Thema Kunst und Ethik und irgendwie auch auf Kinofilme zu sprechen. Ich referierte den anderen ein paar meiner damaligen Untersuchungsergebnisse und nahm an den darauf folgenden Tagen die Arbeit hin und wieder zur Hand und las darin. Schließlich brachte mich das auf die Idee, sie kostenlos zu veröffentlichen.

Ich habe das Manuskript leicht überarbeitet und für ebook-reader neu formatiert. Auch wenn die Arbeit mittlerweile zehn Jahre alt ist und die darin verwendete Literatur nicht mehr auf dem neuesten Stand ist, ist sie sicher nicht nur für Filmliebhaber, sondern auch für Theologen immer noch lesenswert. (Immerhin wurde sie damals mit 1 benotet.)

Neben einer detaillierten Analyse des Films auf die Verwendung biblischer apoklayptischer Bilder und einem Vergleich der Gattungen Film und Predigt enthält das Buch im Anhang ein vollständiges Sequenzprotokoll und das ausführliche Filmprotokoll einiger wichtiger Filmsequenzen.

Hier das Inhaltsverzeichnis:

1.   Einleitung

2.   „It’s close!“ (John Doe) – Das Ende der Welt in Seven

2.2    Eschatologie in Seven

3.   „He’s preaching“ (Somerset) – Seven und die Predigt vom Ende der Welt

3.1    Gemeinsame Aspekte von Film und Predigt

3.2    Schuld und Sühne – Die Bußpredigt in Seven

3.3    Die Vision des Fegefeuers

4.   „… what gross, little stage we dance on.“ (John Doe) – Die Welt als Bühne

in Seven

4.1    Seven – Ein apokalyptisches Drama

4.2    Seven und das barocke Trauerspiel

4.2.1    Das Motiv der vanitas mundi in Seven

4.2.2    Emblematik in Seven

4.2.3    Schrecken, Martyrium und Katharsis in Seven

5.   „The Lord works in mysterious ways.“ (John Doe) – Transzendenz und

Gottesbild in Seven

5.1    Die Inversion des christlichen Heilsplanes

5.2    John Doe als Priester

5.3    Das Gottesbild in Seven

5.4    Die Bedeutung des Rituals für Seven

5.5    Ausblick

6.   Anhang

6.1    Sequenzprotokoll

6.2    Filmprotokoll

6.3    Literaturverzeichnis

Herunterladen könnt ihr das Buch als PDF, mobi und epub.

Viel Spaß beim Lesen!